序言

中国画表达的是中国古人对大自然和人类社会的认知，重视神韵与意境。造型上讲求“以形写形，以色貌色”，“妙在似与不似之间”和“不似之似”；构图上重视大小、开合、藏露、高低、远近，所谓“石分三面”“树分四枝”“虚实有致”。

品赏中国画，需要基于历史、艺术等知识，关注画里体现的中华民族传统的哲学观念和审美观，以及“天人合一”的思想观念。

本书精心挑选了46幅中国名画，每幅画都设置了“作者”“品赏”“图解国画”“细节”“技法”等栏目，从历史、艺术等多个角度来解读中国画的精髓，让读者了解名画背后的故事。

“作者”概括了画家的生平、成长故事、创作背景等。

“品赏”介绍了该名画的概况、成就等内容。

“图解国画”将画作中的各个元素进行拆分解读，帮助读者更好地了解画作。

“细节”对画作中的局部内容进行深入分析，以帮助读者了解画家创作的目的、隐含的意义等。

“技法”深入解读画作的绘画技巧，从不同的角度来解读画作的艺术魅力。

打开本书，开始一段愉快的艺术之旅，感受中国艺术的精妙，你一定能获得更多美的体验。

七步读懂国画

中国画历史悠久，风格独特，在世界画坛上独具风采。中国画自古就分为人物、山水、花鸟三大画科，其师承传授，都依老师。

中国画自成体系，主张“以意为主”，强调“表现”，塑造形象以线条为主，十分注重用笔用墨。在构图、造型上不讲究焦点透视，不强调自然界对于物体的光、色变化的影响，不拘泥于物体表面的形似，而更多强调抒发画家的主观情趣；讲究“以形写神”，追求“气韵生动”“形神兼备”。

看懂国画，需要从创作背景、构图、笔法、意境等方面来看。简而言之，读懂国画可以从以下七个步骤出发。

第一步　阅读作品标签

每一幅国画都有自己的标签，就如同它们的名字一样，记载着它们的创作者、创作时间、作品类别、作品尺寸以及收藏地等相关内容。

在博物馆或者美术馆里，有些标签上还带有创作背景、简介等，这些信息可以帮助观赏者更好地了解作品。

第二步　分辨作品类别

获取了直观的文字信息后，接下来就根据画本身提供出的图像信息，确定此画的类别，是人物画、山水画还是花鸟画，是工笔画还是写意画，是水墨画还是其他。

中国画按照内容题材，可分为人物画、山水画和花鸟画；按技法表现，可分为写意画和工笔画；按使用材料，又有绢本和纸本之分；按照颜色分类，可分为设色画和水墨画。

人物画是以人物形象为主体的绘画的通称，所表现的是人类社会里人与人的关系。人物有动作、表情，人物画力求将人物个性刻画得逼真传神、形神兼备。

山水画所表现的是人与自然的关系，将人与自然融为一体。读懂中国山水画，先要了解画家的胸襟意象。画家把名山大川的特色，先储于心，再形于手。一树一石、一台一亭，皆是画家心中之景。

花鸟画以花、鸟、虫、鱼、禽、兽等类为主要描绘对象，泛指各种动植物。从技法上，可分为工笔、写意和兼工带写；从画的水墨色彩差异上，可分为水墨、泼墨、设色、白描与没骨。

第三步　了解创作背景

中国的绘画史可以上溯到原始社会的新石器时代，距今至少有七千余年的历史。了解完国画的创作时间和作品类别后，再进一步联系作品的创作背景。解读画的创作背景，便于更深入地读懂国画。

两汉和魏晋南北朝时期，形成以人物画为主的局面，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。

隋唐时期，社会经济、文化高度繁荣，山水画、花鸟画已发展成熟，人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。

五代、两宋时，人物画转入描绘世俗生活，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的发展，极大丰富了中国画的创作观念和表现方法。

元、明、清时期，水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画和花鸟画成为中国画的主流，涌现出很多热爱生活、崇尚艺术的伟大画家，他们创作出了一幅幅名垂千古的传世名画。

第四步　构图

中国画历来重视构图，它要讲究宾主、呼应、虚实、疏密、藏露、参差等种种关系。常见的构图形式有水平线构图、垂直线构图、三角形构图、S形构图等。读懂国画的第四步，应从国画的“构图”入手。从本书的“技法”版块中，我们可以了解到中国画的布局构图。

S形构图：《庐山高图》中运用了中国山水画的“三远法”，来表现画中景物的“高远”“深远”和“平远”，使整个画面由远及近，一气呵成，连在一起形成了一个S形的曲线。

垂直线构图：《山鹧棘雀图》中，画的重心在画幅的中间位置，形成近于北宋山水画中轴线的构图方式。具有图案意味的布局，麻雀、荆条等动植物布满整个画面，有着装饰的效果。

三角形构图：《芙蓉锦鸡图》中画面各种景物的布局宾主分明，疏密有致。此外赵佶把题诗、题款的位置也安排得极妙，使得画中的芙蓉、锦鸡、蝴蝶以及题诗形成了一个三角形。

第五步　色彩

懂得中国画的色彩运用，是读懂国画的第五步。中国画中，色彩的应用是指根据不同的描绘对象、时间、地点，施用不同的色彩。中国画的用色大致可分为三种，即白描（黑白）、水墨（黑白）、设色（彩色），其中设色方法包括淡彩、重彩和泼彩。青绿山水和金碧山水都是重彩，浅绛山水是淡彩。本书的“技法”版块中，详细地分析了中国画的用色技巧。

重彩法：又称大着色，指用石青、石绿、石黄、朱砂、胭脂、铅粉、泥金等颜料涂画于熟绢或熟宣纸上，用勾填的方法，以勾勒为基础而后填色。《韩熙载夜宴图》用色丰富，除墨、朱红等重色外，还用了浅绿、浅蓝、淡褐、深绿等复色。

水墨法：是用浓淡墨色变化代替色彩，表现物体的色调。古人有墨分五色之说：焦、浓、重、淡、清，又有以浓墨为主、淡墨为主与留白为主之分。《太白行吟图》用极少的水墨画出李白的形象，画面黑白分明，浓淡相和，将诗仙李白的英气尽显。

浅绛法：即以淡彩作画，作于生宣纸或半熟宣纸上，多用藤黄、花青、胭脂、曙红、赭石等，基本上以墨色表现形体、淡染单纯色彩，形成透明的冷暖色调。《秋兴八景图》中画家着水墨兼用浅绛，使得整体画面更显秀润古雅。

第六步　笔法

了解完中国画的构图和色彩，下一步就是了解“笔法”。中国画的笔法，由点、线、面组成，而线条的运用是最重要的。国画的线条美，通过笔触的起伏和笔法的变化而形成。中国画讲究“以形写神”，“形”就是借助笔法而表现出来。

中国画的笔法线条，其表现形式是多种多样的。但无论是山水画、花鸟画，还是人物画，亦或是工笔画、写意画，归纳起来，不外乎是勾、皴、擦、点、染、丝六种基本笔法。

以“勾”“皴”“擦”“点”“染”这五种笔法较为常见，“丝”多用于画鸟兽，是一种用来表现鸟和兽毛质感的画法，本书着重讲到的是前五种基本笔法。

第七步　意境

中国画的意境，是画家通过描绘景物表达思想感情所形成的艺术境界，它能使欣赏者通过联想产生共鸣，思想感情受到感染。意境，是情景交融的产物，是中国画的至高审美准则，更是中国画追求的一种艺术境界。读懂国画的第七步，也是最重要的一步，就是读懂国画的意境。这一步永无止境。

意境，是中国画的气韵灵魂。不论是人物画、山水画，还是花鸟画，都特别注意表现对象的意境。中国画要求笔与墨合、情与景合。现实中无限丰富的景象、强烈的形象感染了画家，画家凭借着这种感受，激起描绘这些景象的激情，于是作品成为情景相生的复写而重现，使情景交融在一起，于是画家便在作品中创造出了“意境”。